スキップしてメイン コンテンツに移動

追悼！ロストロポーヴィチ




ベートーヴェン：トリプル・コンチェルト & ブラームス：ダブル・コンチェルト
ベートーヴェン：トリプル・コンチェルト & ブラームス：ダブル・コンチェルト
posted with amazlet on 07.04.29
オイストラフ(ダヴィッド),ロストロポーヴィッチ(ムスティスラフ) リヒテル(スヴャトスラフ) リヒテル(スヴィヤトスラフ) オイストラフ(ダヴィッド) ロストロポーヴィッチ(ムスティスラフ) ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団 カラヤン(ヘルベルト・フォン) ベートーヴェン クリーヴランド管弦楽団 セル(ジョージ) ブラームス
東芝EMI (2004/12/08)
売り上げランキング: 433
Amazon.co.jp で詳細を見る



　1927年に旧ソ連（現・アゼルバイジャン）で生まれた音楽家、ムスティラフ・ロストロポーヴィチが亡くなりました。20世紀前半を代表するチェロ奏者をパブロ・カザルスとするならば、ロストロポーヴィチの活躍（彼のために書かれたチェロ作品の数は、おそらく今後も破られることのない記録として残るでしょう）を考えれば、間違いなく彼を「20世紀後半を代表する最高のチェロ奏者」ということができるでしょう。その彼の死は“20世紀の音楽史”が閉じていっていることを強く実感させます。演奏の素晴らしさ、だけでなく、ソ連という極めて特殊な（現代の日本から見れば、ですが）文化的・社会的状況のなかで生き、ソルジェニーツィンを擁護したことによりほぼ国外追放という危険な状況に晒された彼の人生そのものが「20世紀」を感じさせたのです。


　上にあげた録音はヘルベルト・フォン・カラヤン／ベルリン・フィルの伴奏で、ロストロポーヴィチがソ連最高の音楽家として活躍していたダヴィド・オイストラフ、そしてスヴャトスラフ・リヒテルと共にベートーヴェンの《三重協奏曲》を演奏したもの。カラヤン／ベルリン・フィルという西側的な“世界最高”と、ロストロポーヴィチらの東側的な“世界最高”が融和した歴史的事件のような名盤です。ここに名前を挙げた人たちは既に全員鬼籍に入っておりますが、今頃、天国での邂逅を果たしているのではないかな……などというと少し感傷的過ぎるかもしれません。



D


　多すぎるほどに名盤を残してきた彼ですが、特に1960～70年代の全盛期に録音されたものはどれも素晴らしく、どれをとっても「この曲のベスト演奏」と言えるものでした。その充実ぶりを表す映像のいくつかをYoutubeで観ることができます。上に挙げたものはブラームスの《二重協奏曲》の演奏（この曲の演奏はカラヤンと競演したアルバムのカップリングも収録されています）。彼の魅力と言えば、まずはストラディヴァリから奏でられる芳醇な音色ですが、その豊かさが録音の貧しさを超えて伝わってくるところが素晴らしい。左手の運指の上手さもありますが、左手が衰えはじめ指揮活動がメインになってからも彼の特別な音色は失われませんでした。



Shostakovich, Kabalevsky and Khachaturian
Shostakovich, Kabalevsky and Khachaturian
posted with amazlet on 07.04.29
Mstislav Rostropovich Dmitry Kabalevsky Karen Khachaturian Dmitry Shostakovich Evgeny Svetlanov Gennady Rozhdestvensky Moscow Philharmonic Orchestra USSR Symphony Orchestra Dmitry Kabalevsky Dmitry Shostakovich
EMI (2000/11/14)
売り上げランキング: 40032
Amazon.co.jp で詳細を見る



　全盛期のロストロポーヴィチのすごさを伝えるものとしては、ショスタコーヴィチの協奏曲も外すことはできません。ロストロポーヴィチに献呈された作品であり、ソ連を代表する作曲家であったショスタコーヴィチのチェロ協奏曲は初演以降ロストロポーヴィチの重要なレパートリーのひとつとなっており、録音も何種類か存在するのですが、やはり初演に近い頃の録音などに特別なものを感じます。その後に小澤征爾と共演したものでは、さすがに技巧の衰えがあるせいか落ち着いたものになっているのですが、ここに挙げた録音はそれとは対照的に狂気を感じさせるような鬼気迫るカデンツァで聴くものを圧倒してきます。



D

　リヒテルとともに臨んだベートーヴェンのチェロ・ソナタ全集も彼の魅力を伝えるものの一つです。常識的な人物であったロストロポーヴィチと、いろんな意味で天才過ぎたリヒテル*1の仲は必ずしも「好ましい友好関係にあった」とは言えなかったようですが、二人の個性がぶつかり合って異様な緊張感と素晴らしい音楽を生み出しています。楽譜を超越して、音楽が響きだしている一つの事例とでも言いましょうか、ロストロポーヴィチ、リヒテル、オイストラフという音楽家はそのような奇跡を起こすことができる限られた音楽家たちでした。クラシックを語るとき、よく「ベートーヴェンの精神性が……」という曖昧な言葉が登場しますが、彼らの演奏からはそのような「精神の“再現”」ではなく、「新しい音楽の“創造”」を感じることができるような気がします。


　クラシックに親しみがない人にとって、先月ロシアでロストロポーヴィチの80歳記念式典が行われたことは「ずいぶん大掛かりに祝うものだな」と感じられるかもしれません。しかし、私はそれだけ彼は特別な音楽家だったように思われます。むしろ、そのように祝ってもらえるのが当然である、と。正直に言えば、彼の指揮は驚くほど凡庸なものでしたが、彼のチェロ演奏の幅を広げてきたことや新しい音楽を作り上げてきたことは、それぐらい歴史的に価値があるものでした。現代の演奏家が「作曲家の精神を……」という言葉を出し印象に残らない演奏をするたびに、ロストロポーヴィチのような演奏家が出てくることを強く望みたくなるのです。大げさかもしれませんが、消えゆく再現芸術としてのクラシックを延命させるには、かつてのソ連の演奏家的に音楽と向き合っていくことが一番の近道なのかもしれません（ロストロポーヴィチ、あなたは本当に偉大だった！）。




*1：http://d.hatena.ne.jp/Geheimagent/20060913/1158103290、http://d.hatena.ne.jp/Geheimagent/20060915/1158255057を参照のこと





ラベル:

コメント

コメントを投稿

このブログの人気の投稿

石野卓球・野田努　『テクノボン』

テクノボン posted with amazlet at 11.05.05 石野 卓球 野田 努 JICC出版局 売り上げランキング: 100028 Amazon.co.jp で詳細を見る 石野卓球と野田努による対談形式で編まれたテクノ史。石野卓球の名前を見た瞬間、「あ、ふざけた本ですか」と勘ぐったのだが意外や意外、これが大名著であって驚いた。部分的にはまるでギリシャ哲学の対話篇のごとき深さ。出版年は1993年とかなり古い本ではあるが未だに読む価値を感じる本だった。といっても私はクラブ・ミュージックに対してほとんど門外漢と言っても良い。それだけにテクノについて語られた時に、ゴッド・ファーザー的な存在としてカールハインツ・シュトックハウゼンや、クラフトワークが置かれるのに違和感を感じていた。シュトックハウゼンもクラフトワークも「テクノ」として紹介されて聴いた音楽とまるで違ったものだったから。 本書はこうした疑問にも応えてくれるものだし、また、テクノとテクノ・ポップの距離についても教えてくれる。そもそも、テクノという言葉が広く流通する以前からリアルタイムでこの音楽を聴いてきた２人の語りに魅力がある。テクノ史もやや複雑で、電子音楽の流れを組むものや、パンクやニューウェーヴといったムーヴメントのなかから生まれたもの、あるいはデトロイトのように特殊な社会状況から生まれたものもある。こうした複数の流れの見通しが立つのはリスナーとしてありがたい。 それに今日ではYoutubeという《サブテクスト》がある。『テクノボン』を片手に検索をかけていくと、どんどん世界が広がっていくのが楽しかった。なかでも衝撃的だったのはDAF。リエゾン・ダンジュルースが大好きな私であるから、これがハマるのは当然な気もするけれど、今すぐ中古盤屋とかに駆け込みたくなる衝動に駆られる音。私の耳は、最近の音楽にはまったくハマれない可哀想な耳になってしまったようなので、こうした方面に新たなステップを踏み出して行きたくなる。 あと、カール・クレイグって名前だけは聞いたことあったけど、超カッコ良い～、と思った。学生時代、ニューウェーヴ大好きなヤツは周りにいたけれど、こういうのを聴いている人はいなかった。そういう友人と出会ってたら、今とは随分聴いている音楽が違っただろうなぁ、というほどに、カール・クレイグの音は自分のツ...
コメントを投稿
続きを読む

なぜ、クラシックのマナーだけが厳しいのか

　 昨日書いたエントリ に「クラシック・コンサートのマナーは厳しすぎる。」というブクマコメントをいただいた。私はこれに「そうは思わない」という返信をした。コンサートで音楽を聴いているときに傍でガサゴソやられるのは、映画を見ているときに目の前を何度も素通りされるのと同じぐらい鑑賞する対象物からの集中を妨げるものだ（誰だってそんなの嫌でしょう）、と思ってそんなことも書いた。 　「やっぱり厳しいか」と思い直したのは、それから５分ぐらい経ってからである。当然のようにジャズのライヴハウスではビール飲みながら音楽を聴いているのに、どうしてクラシックではそこまで厳格さを求めてしまうのだろう。自分の心が狭いのは分かっているけれど、その「当然の感覚」ってなんなのだろう――何故、クラシックだけ特別なのか。 　これには第一に環境の問題があるように思う。とくに東京のクラシックのホールは大きすぎるのかもしれない。客席数で言えば、ＮＨＫホールが3000人超、東京文化会館が2300人超、サントリーホール、東京芸術劇場はどちらも2000人ぐらい。東京の郊外にあるパンテノン多摩でさえ、1400人を超える。どこも半分座席が埋まるだけで500人以上人が集まってしまう。これだけの多くの人が集まれば、いろんな人がくるのは当たり前である（人が多ければ多いほど、話は複雑である）。私を含む一部のハードコアなクラシック・ファンが、これら多くの人を相手に厳格なマナーの遵守を求めるのは確かに不等な気もする。だからと言って雑音が許されるものとは感じない、それだけに「泣き寝入りするしかないのか？」と思う。 　もちろんクラシック音楽の音量も一つの要因だろう。クラシックは、ＰＡを通して音を大きくしていないアコースティックな音楽である。オーケストラであっても、それほど音は大きく聴こえないのだ。リヒャルト・シュトラウスやマーラーといった大規模なオーケストラが咆哮するような作品でもない限り、客席での会話はひそひそ声であっても、周囲に聴こえてしまう。逆にライヴハウスではどこでも大概ＰＡを通している音楽が演奏される（っていうのも不思議な話だけれど）。音はライヴが終わったら耳が遠くなるぐらい大きな音である。そんな音響のなかではビールを飲もうがおしゃべりしようがそこまで問題にはならない。 　もう一つ、クラシック音楽の厳しさを生む原因にあげら...
21 件のコメント
続きを読む

オリーヴ少女は小沢健二の淫夢を見たか？

こういうアーティストへのラブって人形愛的ないつくしみ方なんじゃねーのかな、と。／拘束された美、生々しさの排除された美。老いない、不変の。一種のフェティッシュなのだと思います *1 。 　「可愛らしい存在」であるためにこういった戦略をとったのは何もPerfumeばかりではない。というよりも、アイドルをアイドルたらしめている要素の根本的なところには、このような「生々しさ」の排除が存在する。例えば、アイドルにとってスキャンダルが厳禁なのは、よく言われる「擬似恋愛の対象として存在不可能になってしまう」というよりも、スキャンダル（＝ヤッていること）が発覚しまったことによって、崇拝されるステージから現実的な客席へと転落してしまうからではなかろうか。「擬似恋愛の対象として存在不可」、「現実的な存在への転落」。結局、どのように考えてもその商品価値にはキズがついてしまうわけだが。もっとも、「可愛いモノ」がもてはやされているのを見ていると、《崇拝の対象》というよりも、手の平で転がすように愛でられる《玩具》に近いような気もしてくる。 　「生々しさ」が脱臭された「可愛いモノ」、それを生（性）的なものが去勢された存在として認めることができるかもしれない。子どもを可愛いと思うのも、彼らの性的能力が極めて不完全であるが故に、我々は生（性）の臭いを感じない。（下半身まる出しの）くまのプーさんが可愛いのは、彼がぬいぐるみであるからだ。そういえば、黒人が登場する少女漫画を読んだことはない――彼らの巨大な男根や力強い肌の色は、「可愛い世界観」に真っ黒なシミをつけてしまう。これらの価値観は欧米的な「セクシーさ」からは全く正反対のものである（エロカッコイイ／カワイイなどという《譲歩》は、白人の身体的な優越性に追いつくことが不可能である黄色人種のみっともない劣等感に過ぎない！）。 　しかし、可愛い存在を社会に蔓延させたのは文化産業によるものばかりではない。社会とその構成員との間にある共犯関係によって、ここまで進歩したものだと言えるだろう。我々がそれを要求したからこそ、文化産業はそれを提供したのである。ある種の男性が「（女子は）バタイユ読むな！」と叫ぶのも「要求」の一例だと言えよう。しかし、それは明確な差別であり、抑圧である。 　「日本の音楽史上で最も可愛かったミュージシャンは誰か」と自問したとき、私は...
11 件のコメント
続きを読む