スキップしてメイン コンテンツに移動

リゲティ、死去。



http://www.asahi.com/obituaries/update/0612/007.html


　友人の家でW杯を観戦していましたが、帰ってきて一番驚いたのがリゲティ死去のニュース。日本の敗戦よりも大ショックです。





　以下は以前書いていたブログからリゲティに関する文章を抜粋。





Ligeti：Works for Piano
Ligeti：Works for Piano
posted with amazlet on 06.05.31
Gyorgy Ligeti Pierre-Laurent Aimard
Sony (1997/01/21)
売り上げランキング: 88,677
Amazon.co.jp で詳細を見る




The Ligeti Project, Vol. 1
The Ligeti Project, Vol. 1
posted with amazlet on 06.05.31
Gyorgy Ligeti ASKO Ensemble Schoenberg Ensemble Pierre-Laurent Aimard Peter Masseurs
Teldec (2001/06/19)
売り上げランキング: 141,328
Amazon.co.jp で詳細を見る



　ジェルジー・リゲティというルーマニア出身の作曲家に興味を持ち出してから、集中的に彼の音楽を聴いている。リゲティの作品というとキューブリックの映画に使われていることが有名で、私もそれぐらいしかしらず、てっきりトーンクラスターと電子音楽の人だとばかり思っていた。が、それ以降のポリリズムに傾倒し始めた時期の方が私にとっては断然面白かった。





　音楽史の教科書には「総音列主義（トータル・セリエリスム）は崩壊した」と書いてあるらしいんだけれども、実際いまだにセリエルな音楽っていうのは作曲界で幅を利かせている（実際どうか知らないけど。でも、ブーレーズがまだ生きているしねぇ）。提唱から1950年代から始まったトータル・セリエリスムが未だに「第一の作曲方法」なのだとしたら、それは結構


閉塞した状況だと言えるんじゃなかろーか。そんな閉塞に早々と見切りを付けていたのがリゲティだった。で、トーンクラスターとか電子音楽とかに向かうんだけれど、それも結構すぐに飽きちゃって、リズムに注目するわけですね。正確に言うとトーンクラスター／電子音楽期と複雑なリズム期の間には、ミクロポリフォニーという技法を提出した時期があるんだけれど、私にはよくわからない。すげーたくさんの声部があって、それが独立したり溶け合ったりして「一つのテクスチュアを形作る」らしーんだけど、結構聴取不可能なところがある気がする。





　で、やっとポリリズム期のリゲティの話。80年代に入ってからリゲティは《ピアノのためのエチュード》と《ピアノ協奏曲》という作品を書いているんだけれど、思うにこれらはセリエリスムに代わる作曲技法を用いた作品のなかで最も成功した作品だろう。もちろん、完全に調性に立ち戻っているわけではなくて（それじゃあ新ロマン派と変わりないし）、はっきりとした「メロディー」は皆無なんだけれど、溢れかえるように複数のリズムが同時に演奏されているときの「混ざらなさ」と「聴いていて頭が狂う感じ」が良い。あとピアノの超絶技巧とパーカッシヴな強音が動物的に楽しい。スティーヴ・ライヒも同じくポリリズムを多用しているけれど、リゲティの場合、変容があるから聴いていて飽きない。混ざらないリズム同士が相互に影響しあって、発展していくような感じ。





　「現代都市のサウンドスケープみたいだな」と思いながら聴いているのだが、これ爆音で聴いたら超アガりそう。まぁ、激しい曲ばかりじゃなくて、ほんとに涙が出るぐらい美しい曲もあるんだけれど。





ラベル:

コメント

コメントを投稿

このブログの人気の投稿

石野卓球・野田努　『テクノボン』

テクノボン posted with amazlet at 11.05.05 石野 卓球 野田 努 JICC出版局 売り上げランキング: 100028 Amazon.co.jp で詳細を見る 石野卓球と野田努による対談形式で編まれたテクノ史。石野卓球の名前を見た瞬間、「あ、ふざけた本ですか」と勘ぐったのだが意外や意外、これが大名著であって驚いた。部分的にはまるでギリシャ哲学の対話篇のごとき深さ。出版年は1993年とかなり古い本ではあるが未だに読む価値を感じる本だった。といっても私はクラブ・ミュージックに対してほとんど門外漢と言っても良い。それだけにテクノについて語られた時に、ゴッド・ファーザー的な存在としてカールハインツ・シュトックハウゼンや、クラフトワークが置かれるのに違和感を感じていた。シュトックハウゼンもクラフトワークも「テクノ」として紹介されて聴いた音楽とまるで違ったものだったから。 本書はこうした疑問にも応えてくれるものだし、また、テクノとテクノ・ポップの距離についても教えてくれる。そもそも、テクノという言葉が広く流通する以前からリアルタイムでこの音楽を聴いてきた２人の語りに魅力がある。テクノ史もやや複雑で、電子音楽の流れを組むものや、パンクやニューウェーヴといったムーヴメントのなかから生まれたもの、あるいはデトロイトのように特殊な社会状況から生まれたものもある。こうした複数の流れの見通しが立つのはリスナーとしてありがたい。 それに今日ではYoutubeという《サブテクスト》がある。『テクノボン』を片手に検索をかけていくと、どんどん世界が広がっていくのが楽しかった。なかでも衝撃的だったのはDAF。リエゾン・ダンジュルースが大好きな私であるから、これがハマるのは当然な気もするけれど、今すぐ中古盤屋とかに駆け込みたくなる衝動に駆られる音。私の耳は、最近の音楽にはまったくハマれない可哀想な耳になってしまったようなので、こうした方面に新たなステップを踏み出して行きたくなる。 あと、カール・クレイグって名前だけは聞いたことあったけど、超カッコ良い～、と思った。学生時代、ニューウェーヴ大好きなヤツは周りにいたけれど、こういうのを聴いている人はいなかった。そういう友人と出会ってたら、今とは随分聴いている音楽が違っただろうなぁ、というほどに、カール・クレイグの音は自分のツ...
コメントを投稿
続きを読む

なぜ、クラシックのマナーだけが厳しいのか

　 昨日書いたエントリ に「クラシック・コンサートのマナーは厳しすぎる。」というブクマコメントをいただいた。私はこれに「そうは思わない」という返信をした。コンサートで音楽を聴いているときに傍でガサゴソやられるのは、映画を見ているときに目の前を何度も素通りされるのと同じぐらい鑑賞する対象物からの集中を妨げるものだ（誰だってそんなの嫌でしょう）、と思ってそんなことも書いた。 　「やっぱり厳しいか」と思い直したのは、それから５分ぐらい経ってからである。当然のようにジャズのライヴハウスではビール飲みながら音楽を聴いているのに、どうしてクラシックではそこまで厳格さを求めてしまうのだろう。自分の心が狭いのは分かっているけれど、その「当然の感覚」ってなんなのだろう――何故、クラシックだけ特別なのか。 　これには第一に環境の問題があるように思う。とくに東京のクラシックのホールは大きすぎるのかもしれない。客席数で言えば、ＮＨＫホールが3000人超、東京文化会館が2300人超、サントリーホール、東京芸術劇場はどちらも2000人ぐらい。東京の郊外にあるパンテノン多摩でさえ、1400人を超える。どこも半分座席が埋まるだけで500人以上人が集まってしまう。これだけの多くの人が集まれば、いろんな人がくるのは当たり前である（人が多ければ多いほど、話は複雑である）。私を含む一部のハードコアなクラシック・ファンが、これら多くの人を相手に厳格なマナーの遵守を求めるのは確かに不等な気もする。だからと言って雑音が許されるものとは感じない、それだけに「泣き寝入りするしかないのか？」と思う。 　もちろんクラシック音楽の音量も一つの要因だろう。クラシックは、ＰＡを通して音を大きくしていないアコースティックな音楽である。オーケストラであっても、それほど音は大きく聴こえないのだ。リヒャルト・シュトラウスやマーラーといった大規模なオーケストラが咆哮するような作品でもない限り、客席での会話はひそひそ声であっても、周囲に聴こえてしまう。逆にライヴハウスではどこでも大概ＰＡを通している音楽が演奏される（っていうのも不思議な話だけれど）。音はライヴが終わったら耳が遠くなるぐらい大きな音である。そんな音響のなかではビールを飲もうがおしゃべりしようがそこまで問題にはならない。 　もう一つ、クラシック音楽の厳しさを生む原因にあげら...
21 件のコメント
続きを読む

2011年7月17日に開催されるクラブイベント「現代音楽講習会　今夜はまるごとシュトックハウゼン」のフライヤーができました

フライヤーは ナナタさん に依頼しました。来月、都内の現代音楽関連のイベントで配ったりすると思います。もらってあげてください。 イベント詳細「夜の現代音楽講習会　今夜はまるごとシュトックハウゼン」
コメントを投稿
続きを読む